Kofi Agawu

Kofi AGAWU
La música como discurso.
Aventuras semióticas en la música romántica
Buenos Aires, Eterna Cadencia Editora, 2012, 541 pp.

ISBN 978-987-1673-23-0

 

Paulino CAPDEPÓN VERDÚ
Universidad de Castilla-La Mancha

En mi condición de estudiante universitario, todavía recuerdo en los años 70 y 80 del siglo pasado la utilización de libros clásicos en los ámbitos de la música y de la historia del arte gracias a las traducciones al español llevadas a cabo por editoriales argentinas, entre las cuales sobresalía la editorial Ricordi, entre otras. De esta manera, los estudiantes españoles pudieron suplir la ausencia de una bibliografía adecuada para la realización de sus estudios. Posteriormente, la situación fue remediándose progresivamente con la implantación de colecciones musicales en editoriales como Alianza, Taurus, Turner, Akal, Cátedra, etc.

Un nuevo ejemplo de la vitalidad actual de la actividad editorial argentina en el campo de la música viene ilustrado por la versión en español de un libro fundamental de uno de los máximos expertos actuales en análisis musical. En este caso ha sido Eterna Cadencia Editora, radicada en Buenos Aires, la que nos regala con este volumen de Kofi Agawu, profesor de la Universidad de Princeton desde 1998, así como profesor adjunto en la Universidad de Ghana, su país natal. Formado en las universidades de Reading y el King’s College del Reino Unido, se doctoró en musicología histórica en la universidad de Stanford en 1982. Antes de convertirse en catedrático en Princeton, enseñó en las universidades de Yale, Cornell, King’s College de Londres, Duke y Haverford College. Especializado en música de África Occidental, etnomusicología, sociología y psicología de la música, teoría y análisis, recibió la prestigiosa medalla Dent de la Royal Music Association en 1992 “por su extraordinaria contribución a la musicología” y el Young Scholar  Award en 1994 por su libro Playing with Signs: A semiotic Interpretation  of Classic Music. Otro de sus libros destacados fue el que lleva por título Representing African Music: Postcolonial Notes, Queries, Positions.

Agawu profundiza en un aspecto capital de la teoría musical: la semanticidad del arte de los sonidos y la posibilidad de comunicar ideas y emociones específicas. Para responder a tales cuestiones, el autor recurre a una metodología innovadora y multidisciplinar, invitando al lector a contemplar la música como un discurso en sí mismo. No deja de reconocer Agawu que su objetivo “no es dirigirme a un público lector interdisciplinario sino hablar dentro de los discursos más reducidos del análisis musical, discursos que emanan de las actividades normales y cotidianas de profesores y estudiantes de cursos universitarios de teoría y análisis musical” (p. 25).

El libro está dividido en dos partes claramente diferenciadas: en la primera, denominada “Teoría”, la intención es orientar al lector hacia perspectivas que podrían facilitar una apreciación de la naturaleza práctica de la música como discurso. Así, por ejemplo, en el capítulo 1 (“La música como lenguaje”) se confronta la realidad de la música y del lenguaje para remarcar las similitudes y las diferencias en las respectivas sociología, ontología, psicología, estructura, recepción y metalenguaje, todo ello con el fin de adoptar una mayor conciencia de la naturaleza “lingüística” de la música, lo cual podría contribuir a mejorar algunos de los análisis técnicos que ofrecen los teóricos de la música, presentando una serie de enunciados generales que asimismo podrían estimular la necesaria discusión sobre la naturaleza del lenguaje musical. Los capítulos 2 (“Criterios para el análisis I”) y 3 (“Criterios para el análisis II”) mantienen la perspectiva amplia para identificar determinados rasgos de la música del siglo XIX, pero en vez de estudiar el sistema de la música como tal, se recurre a determinados rasgos compositivos que incluyen elementos tanto estilísticos como estructurales, entre los cuales Agawu ha escogido seis: tópicos o topoi; comienzos, secciones centrales y finales; puntos culminantes y curva dinámica; periodicidad, discontinuidad y paréntesis; tres modos de enunciación: modo de habla, modo de canción y modo de danza; hilo narrativo. Estos seis parámetros brindan a los oyentes un mecanismo para organizar sus intuiciones sobre la música romántica, mientras que los análisis resultantes pueden dar origen a la especulación posterior sobre el significado. En el capítulo 4 (“Puentes a la composición libre”), se explora esta forma de pensamiento empleando como punto de partida una de las metáforas centrales de Schenker en su obra Kontrapunkt (1910-1922), analizándose las composiciones en términos de prototipos armónicos y contrapuntísticos. El capítulo 5 (“El análisis paradigmático”) agrega a estas concepciones en conflicto un enfoque semiológico , intentando minimizar (pero sin eliminar del todo) la cantidad de bagaje musical que el analista aporta a la tarea; dicho enfoque adopta la repetición como guía para la selección de unidades significativas de una composición y especula sobre la senda narrativa formada por la sucesión de unidades que se repiten.

La segunda parte, titulada “Análisis”, presenta estudios concretos que abarcan a compositores desde Beethoven hasta Stravinski con el objetivo principal de ejemplificar la red de ideas expuestas en los cinco capítulos de la primera parte. Así, por ejemplo, se analiza el poema sinfónico Orfeo de Liszt (capítulo 6), seguido de un estudio del discurso en el fraseo de dos obras de Johannes Brahms: el segundo movimiento de su Primera Sinfonía y el Intermezzo para piano op. 119 nº 2 (capítulo 7). Los dos últimos estudios de caso están dedicados a las narrativas de continuidad y discontinuidad en el primer movimiento de la Novena Sinfonía de Mahler (capítulo 8 ) y al primer movimiento del Cuarteto de cuerda op. 130 de Beethoven, yuxtapuesto a las Sinfonías de Instrumentos de viento de Stravinski (capítulo 9).

En definitiva, una obra que viene a enriquecer el magro panorama de los estudios analíticos musicales en nuestro país, y que constituye toda una novedad digna de ser tenida muy en cuenta. Los análisis que efectúa Agawu -plenos de un rigor que le han convertido en uno de los máximos exponentes del análisis musical en la actualidad-, renuevan por completo la visión tradicional en este ámbito y representan la inclusión de aspectos innovadores y pluridisciplinares. Por otra parte, la presentación de numerosos ejemplos musicales y la cuidada traducción de Silvia Villegas (tarea nada fácil dada la complejidad y densidad del estilo de Agawu) contribuyen decisivamente a que el libro se lea con verdadero gusto. Obra, por lo tanto, absolutamente recomendable a todos los estudiantes, profesores y profesionales de la música en general, por lo que no cabe sino felicitar a la editorial argentina Eterna Cadencia por esta iniciativa tan loable. Un único ruego a los responsables de la citada editorial de Bueno Aires: ¿sería posible que en el futuro se editaran otras obras de Agawu en castellano, como es el caso de la indispensable Playing with Signs: A Semiotic Interpretation of Classic Music (Princeton University Press, 1991)?

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